Jingle [C] de Marta Aledo

Jingle de Marta Aledo es un duro alegato de apensas 14´a favor de la libertad de prensa y cómo muchos periodistas y fotógrafos sufren hasta la muerte por el simple hecho de ejercer su profesión.

Jingle se atreve con una realidad peliaguda, la de los secuestros de periodistas de guerra, y sale más que airoso, gracias también al inconmensurable trabajo de Paco Manzanedo y Antonio Galeano.

Óscar y Fon son amigos y periodistas de guerra. Están secuestrados en un sótano, en un país extranjero, a seis mil y pico km de casa desde hace semanas. En un paréntesis para distraerse del dolor de las palizas que han recibido.

 

Vainilla [C] de Juan Beiro

Vainilla de Juan Beiro es un corto de a penas 9´que se puede resumire en: “La vida es hablar de tonterías con la gente que se quiere“.

El secreto de Vainilla es la sensibilidad con la que llega a todo tipo de públicos y la desarmante verdad que nos susurra.

Vainilla ya fue ganador del Austin Film Festival, que le abrió las puertas de los Oscars.

Verano [C] de Ronny Trocker

Verano [Estate] de Ronny Trocker es un corto de apenas 7´que te deja pensando sobre el drama de la inmigración y las personas que llegan a nuestras costas en cayucos o en pateras. Me retrotrae a otras fotografías que están en nuestra memoria colectiva.

En una soleada playa del Mediterráneo, el tiempo parece estar congelado. Un hombre negro completamente agotado se arrastra dolorosamente fuera de la arena, mientras a su alrededor los turistas parecen no fijarse en él. Corto libremente inspirado en una foto tomada por Juan Medina en la playa española de Gran Tarajal, en 2006.

Ainhoa [C] de Iván Sáinz-Pardo

Ainhoa de Iván Sáinz-Pardo.

“Ainhoa es un cuento que, más allá de intentar dormir a los niños, trata de despertar a los adultos.”

Ainhoa tiene 9 años y se ha ido de casa. Tan solo se ha llevado consigo su mochila del colegio y un Playmobil.
Como testigos de su huida, iremos entendiendo los motivos que le han impulsado a tomar semejante decisión y descubriremos que Ainhoa sigue de forma rigurosa los pasos de un misterioso plan.

Ainhoa retratata la historia de una familia que se ve amenazada y violentada por la crisis y por un aviso inminente de desahucio, las consecuencias de un drama de adultos pero desde la perspectiva de una niña de 9 años. Ainhoa observa como algo terrible les sucede a sus padres sin llegar a ser capaz de comprenderlo y se ve obligada a cambiar sus juegos infantiles por estrategias adultas de supervivencia. Donde muchos adultos sólo ven una casa, una renta o una hipoteca, la mayoría de los niños sólo ven un hogar. Donde la complejidad de un adulto obliga a claudicar, la inocencia infantil comienza su lucha particular. Ainhoa, para ello, abandona su hogar y emprende ella sola un viaje de adultos, se encomienda una misión en la que el mundo de los juegos, de la fantasía y de la realidad se entremezclan.

Lucas [C] de Álex Montoya

Lucas de Álex Montoya es un corto de 29´que nos cuenta la historia de un joven que vive en el seno de una familia trabajadora en los suburbios de una ciudad cualquiera. Sus padres le dan todo lo que pueden: amor, educación, ropa y un plato de comida. Pero, Lucas como buen adolescente,  quiere más. Anhela tener un móvil de última generación o una moto, como el resto de sus compañeros de instituto. En una de sus sesiones de rehabilitación conocerá a Álvaro. Este le ofrecerá dinero a cambio de unas fotos inocentes que le permitirán crear una falsa identidad en las redes sociales para contactar con chicas jóvenes.

El realismo con el que Alex Montoya construye Lucas posee el  aroma de la sinceridad. Sus diálogos son veraces, auténticos. Con ellos atrapa al espectador y le sume en un profundo desasosiego, porque todos hemos sido adolescentes, así que identificarse con el personaje central es muy fácil, y desde luego no quieres que tome decisiones erróneas. Por eso os queremos recomendar el visionado de este excepcional cortometraje por su compromiso social, por su elegancia en la narrativa, por su gran dirección de actores y sobre todo por la valentía y sensatez con la que se enfrenta a un tema tan comprometido y complejo. Aquí puedes ver el cortometraje en alta definición.

Balcony [C] de Toby Fell-Holden

Balcony de Toby Fell-Holden es un corto inglés, multipremiado que expresa cómo se está produciendo la convivencia multicultural en los barrios de inglaterra con una fuerte carga de sodidez y tragedia. En un barrio lleno de tensiones raciales, una chica se enamora de una inmigrante que es víctima de prejuicios y vergüenza; pero nada es lo que parece.

Tina, una adolescente problemática, se siente atraída por Dana, una chica afgana, a quien Tina percibe como víctima oprimida de abusos por su padre Karim. Al principio, se confía en Tina y se admira por su protección a Dana en el instituto, pero al mismo tiempo que florece su amistad, comienza a percibirse que algo está pasando.

La ceremonia del té [Les frémissements du thé (C)] de Marc Fouchard

La ceremonia del té [Les frémissements du thé (C)] de Marc Fouchard es un corto francés que en apenas 21´nos plantea toda una tesis de vida y convivencia multicultural.

En una pequeña ciudad del norte de Francia, Alex, un joven extremista de cabeza rapada, entra en una tienda regentada por Malik.

Maravillosa familia de Tokio de Yôji Yamada

Maravillosa familia de Tokio de Yôji Yamada es una deliciosa comedia de un divorcio a la japonesa. Hay algunos personajes que son impagables y te permiten conocer un poquito mejor la idiosincrasia japonesa.

Un esposo (Isao Hashizume) y su mujer (Kazuko Yoshiyuki) han estado casados por 50 años. Para el cumpleaños de ella, el marido le pregunta qué quiere para su cumpleaños y ella le contesta que desea el divorcio. Este anuncio lleva a toda la familia a entrar en caos y cada miembro comienza a explicar sus respectivas reclamaciones.

Stefan Zweig: Adiós a Europa de Maria Schrader

Stefan Zweig: Adiós a Europa de Maria Schrader es una película muy interesante y reveladora sobre los últimos años en la vida de Stefan Zweig en su huída de la Alememania Nazi y los caminos que le llevan a Brasil. Pero también es una visión sensata de la significación o la necesidad del compromiso político y social del intelectual con el momento que le toca vivir, además del compromiso con su obra artística. Deja muchos interrogantes e inquietudes a la par que revela aspectos de su vida.

Una película ideal para poder hacer un cineforum después de su visionado, aunque yo la vi sólo en el cine, no había nadie más en mi pase de viernes por la noche. Está visto que ahora la gente tiene otros gustos.

Biopic sobre el intelectual austriaco Stefan Zweig, centrado en los años de exilio del famoso escritor y activista social. Zweig fue uno de los personajes más irrepetibles del siglo XX. Como judío se vio obligado a huir de su país debido al régimen nazi. En su huida hacia adelante, se refugió en París primero y, más tarde, en Londres, pero Zweig acabó huyendo de Europa junto a su esposa a Sudamérica, instalándose finalmente en Brasil, donde acabará suicidándose en 1942 debido a su miedo a que el nazismo se extendiera por todo el mundo.

Kubo y las dos cuerdas mágicas de Travis Knight

Kubo y las dos cuerdas mágicas [Kubo and the Two Strings] de Travis Knight es una película para los amantes del cine de animación más exquisitos, por la calidad de las imágenes, la maestría en su elaboración y lo subyugante de la propia historia, ¡qué no es sólo para niños!; y la integración magnífica del significado de la papirofléxia/origami.

Para degustar por los paladares más exquisitos.

Kubo y las dos cuerdas mágicas es una película de acción y aventuras, con un Japón mágico de telón de fondo, producida por LAIKA, el aclamado estudio de animación que ya produjo Los Mundos de Coraline. El inteligente y bondadoso Kubo (al que presta su voz en la versión original de la película Art Parkinson, la serie “Juego de tronos”) se gana la vida como puede contando historias tan maravillosas como fantásticas a los habitantes de un pueblecito costero entre los que están Hosato (George Takei), Akihiro (Cary-Hiroyuki Tagawa) y Kameyo (Brenda Vaccaro). Pero su tranquila existencia cambia de golpe cuando, accidentalmente, llama a un espíritu mítico que regresa de los cielos decidido a llevar a cabo una venganza milenaria. Kubo no tiene más remedio que huir y unirse a Mona (Charlize Theron) y a Escarabajo (Matthew McConaughey) para salvar a su familia y resolver el misterio que rodea a su deshonrado padre, el más grande de todos los samuráis que jamás ha existido. Con la ayuda de su shamisen, un instrumento mágico, Kubo se enfrenta a dioses y a monstruos como el vengativo Rey Luna (Ralph Fiennes) y las malévolas gemelas (Rooney Mara),  para descubrir el secreto de su herencia, reunirse con su familia y cumplir el heroico destino que le está reservado.

“Si váis a parpadear, hacerlo ahora”.

“La capacidad de inventiva, la exquisitez formal y el poder fabulador han estado presentes en cada una de las magníficas obras que ha realizado el estudio Laika desde sus inicios. Sin embargo tanto ‘El alucinante mundo de Norman’ (2012) como ‘Los Boxtrolls’ (2014), no habían conseguido superar la perfección que anidaba dentro de ‘Los mundos de Coraline’ (2009). Ahora, ‘Kubo y las dos cuerdas mágicas‘ vuelve a elevar los logros de la factoría a un estadio superior ofreciendo una auténtica obra maestra de orfebrería visual, refinadísima y de una minuciosidad casi inabarcable. De nuevo la tristeza, el sentimiento de orfandad y la soledad infantil vuelven a convertirse en el motor de una historia de aventuras y aprendizaje, configurado alrededor de la idea clásica del viaje del héroe, que se adentra en la cultura tradicional japonesa para extraer de ella toda una serie de paisajes imaginarios tan exuberantes y épicos como repletos de la emoción más íntima. Una fábula tan delicada como un origami, poética y melancólica, que recupera la necesidad de contar historias, de adentrarse en los mitos e imaginar mundos fantásticos hechos con el material de los sueños, también de las pesadillas, a través de un portentoso y abrumador trabajo de texturas y composición estilística” por Beatriz Martínez en Fotogramas.

El bebé jefazo de Tom McGrath

El bebé jefazo [The Boss Baby] de Tom McGrath es una película que bebe del tirón de las películas para niños pero que carece del ritmo, la intensidad o la frecura de otras que ya hemos reseñado. Por supuesto que tiene momentos brillantes, pero quizás todos ya estaban en el trailer que nos llevó al bebé jefazo.

Tim es un niño de 7 años que tiene los mejores padres del mundo. Su vida es perfecta hasta que un fatídico día todo cambia de forma radical. ¿El motivo? Ya no serán solo tres en la familia, porque ha llegado su nuevo hermanito, un adorable bebé, que hace que a sus padres se les caiga la baba. Y es que este pequeñín se ha hecho el dueño de la casa, y que el bebé se convierta en el jefe de todo es algo que a Tim no le gusta demasiado. Como a Tim no le falta imaginación, nos describe a su hermano vestido de traje, como si de un ejecutivo se tratase. Mientras trata de recuperar el afecto de sus padres, descubrirá el diabólico plan que maquina el director general de Puppy Co. Los dos hermanos tendrán que unirse entonces como una verdadera familia para restablecer el orden del mundo y demostrar que el amor es una fuerza indestructible. ¿Acabarán queriéndose entonces Tim y su hermano bebé?

El principito de Mark Osborne

El principito de Mark Osborne es una reelaboración del famoso libro de Antoine de Saint-Exupery con una fuerte carga onírica y sentimental; con una recreación de mundos muy elaborada y diferente, tanto en formato digital como el animación con papel/stop-motion. Me ha gustado especialmente lo sugerente de la historia, cómo recrea el mundo de El Principito que tantos conocemos y nos da una lectura nueva. El Principito es una hermosa poesía visual.

Para que todo salga bien en la prestigiosa Academia Werth, la pequeña y su madre se mudan a una casa nueva. La pequeña es muy seria y madura para su edad y planea estudiar durante las vacaciones siguiendo un estricto programa organizado por su madre; pero sus planes son perturbados por un vecino excéntrico y generoso. Él le enseña un mundo extraordinario en donde todo es posible. Un mundo en el que el Aviador se topó alguna vez con el misterioso Principito. Entonces comienza la aventura de la pequeña en el universo del Principito. Y así descubre nuevamente su infancia y comprenderá que sólo se ve bien con el corazón. Lo esencial es invisible a los ojos. Cuenta con las voces (en versión inglesa) de James Franco, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Jeff Bridges, Benicio Del Toro, Mackenzie Foy y Paul Giamatti.

“Lo esencial es invisible para los ojos”.

 

Mañana empieza todo [Demain tout commence] de Hugo Gélin

Mañana empieza todo [Demain tout commence] de Hugo Gélin es una pelicula emotiva que te sorprende el desarrollo de la historia y la ternura de los personajes, en la que nada es lo que parece y todo es igual. No quiero hacer spoilers, para que todos sean sorprendidos.

Samuel vive la vida sin responsabilidades en la playa en el sur de Francia. Hasta que un día, una de sus antiguos amores le deja en los brazos a un bebé de pocos meses, Gloria: su hija. Incapaz de cuidar de un bebé y decidido a devolverle la niña a su madre, Samuel se va a a Londres para tratar de encontrarla pero no tiene éxito. Ocho años más tarde, mientras que Samuel y Gloria viven en Londres y son inseparables, la madre de Gloria regresa a su vida para recuperar a su hija. Remake de ‘No se aceptan devoluciones‘ (2013), la película mexicana más exitosa de la historia.

Uno de las claves de esta película está en el reparto, encabezado por Omar Sy (Intocable, Samba, Jurassic World), que aparece junto a Clémence Poésy (Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte I y II, Mi amigo Mr. Morgan), Antoine Bertrand (Ego Trip) y y la niña Gloria Colston.

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La bella y la bestia [Beauty and the Beast] de Bill Condon

La bella y la bestia [Beauty and the Beast] de Bill Condon es una adaptación plano por plano de la película animada de Disney de 1991, aunque esta tambén sea de Disney. Lo más atractivo es esta recreación con toda suerte de artilugios e invenciones, pero lo mejor, es la cara que se le queda a los niños y a las niñas disfrutando de toda la magia de Disney. A mí personalmente me costó un poco entrar, pero cuando entré disfruté con los ojos de un niño; a ello contribuyó Enma Watson como una singular Bella que yo tengo asociada a Hermione.

Adaptación en imagen real del clásico de Disney “La bella y la bestia”, que cuenta la historia de Bella (Emma Watson), una joven brillante y enérgica, que sueña con aventuras y un mundo que se extiende más allá de los confines de su pueblo en Francia. Independiente y reservada, Bella no quiere saber nada con el arrogante y engreído Gastón, quien la persigue sin descanso. Todo cambia un día cuando su padre Maurice (Kevin Kline) es encarcelado en el castillo de una horrible Bestia, y Bella se ofrece a intercambiarse con su padre y queda recluida en el castillo. Rápidamente se hace amiga del antiguo personal del lugar, que fue transformado en objetos del hogar tras una maldición lanzada por una hechicera.

Una joven soñadora y romántica llamada Bella (Emma Watson) vive en una pequeña aldea junto a su padre, un inventor de artilugios, al que algunos consideran un anciano demente. Un día, su padre viaja a una feria para exponer sus inventos, pero se pierde en el camino y acaba en un viejo y misterioso castillo. Buscando cobijo y un lugar donde pasar la noche, el padre de Bella descubre que el señor de ese castillo es una horrible Bestia (Dan Stevens). Cuando se percata de su presencia, la Bestia le deja encerrado entre rejas. Bella, preocupada por su anciano padre, no duda ni un instante en salir en su busca. Cuando encuentra el castillo, Bella decide hacer un intercambio, y quedarse encerrada a cambio de la libertad del anciano. Durante su estancia, la protagonista conocerá a una serie de peculiares personajes que harán que se sienta mucho más cómoda. Además, poco a poco, irá conociendo la Bestia, y se dará cuenta de que, en su interior, hay un gran corazón. La joven se enamora de él, deshaciendo así el antiguo hechizo de la rosa…

Los odiosos ocho [The Hateful Eight] de Quentin Tarantino

Los odiosos ocho [The Hateful Eight] de Quentin Tarantino es su octava película, y como no podría ser de otra manera, una declaración de intenciones con una ambientación de paisaje espectacular, una música inconfundible de Enio Morricone y unas fuertes dosis de violencia un tanto gore que como lo sabes o lo prevees no produce un efecto tan terrible como en otras películas más realistas o de otro corte; aquí predomina la historia que siempre cuenta con giros narrativos muy interesantes, y una voz en off que provoca un fuerte distanciamiento.

Pocos años después de la Guerra de Secesión, una diligencia avanza por el invernal paisaje de Wyoming. Los pasajeros, el cazarrecompensas John Ruth (Kurt Russell) y su fugitiva Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh), intentan llegar al pueblo de Red Rock, donde Ruth entregará a Domergue a la justicia. Por el camino, se encuentran con dos desconocidos: el mayor Marquis Warren (Samuel L. Jackson), un antiguo soldado de la Unión convertido en cazarrecompensas de mala reputación, y Chris Mannix (Walton Goggins), un renegado sureño que afirma ser el nuevo sheriff del pueblo. Como se aproxima una ventisca, los cuatro se refugian en la Mercería de Minnie, una parada para diligencias de un puerto de montaña. Cuando llegan al local se topan con cuatro rostros desconocidos: el mexicano Bob (Demian Bichir), Oswaldo Mobray (Tim Roth), verdugo de Red Rock, el vaquero Joe Gage (Michael Madsen) y el general confederado Sanford Smithers (Bruce Dern). Mientras la tormenta cae sobre la parada de montaña, los ocho viajeros descubren que tal vez no lleguen hasta Red Rock después de todo.

Taxi Teherán de Jafar Panahi

Taxi Teherán, cine prohibido, de Jafar Panahi es una película única e irrepetible sobre el derecho de hacer cine. Galardonada con el Oso de Oro de la Berlinade, deja bien a las claras los que supone hacer cine en determinados países.

El iraní Jafar Panahi no puede hacer cine. Arrestado por estar “haciendo una película contra el régimen en la que se mostraban los acontecimientos posteriores a las elecciones de 2009“; tras unos meses de cárcel y soportar amenazas a su familia en 2010, el Tribunal de Teherán le acusó de “actuar contra la seguridad nacional y hacer propaganda contra el estado” y le condenó a arresto domiciliario -no poder salir de Irán- y a 20 años sin dirigir una película. Pero esto no ha parado a Panahi y con apoyo de amigos, familiares y colegas y diferentes organizaciones internacionales por los derechos humanos ha podido seguir dirigiendo en secreto y jugándose la vida. Así nos llega ‘Taxi Teherán’ (‘Taxi’, 2015), última ganadora del Oso de Berlín y del Premio FIPRESCI de la 65ª. edición de la Berlinale.

Un taxi recorre las vibrantes y coloridas calles de Teherán. Va recogiendo todo tipo de pasajeros: hombres, mujeres, ancianos, amigos y conocidos, niños. Todos ellos tienen algo que contar y no tienen reparos a expresar libremente su opinión cuando el conductor les pregunta. El conductor, que no es otro que el director Jafar Panahi, nos muestra el interior de su taxi y el caos de las calles de Teherán con una cámara colocada en el salpicadero, capturando el espíritu de la sociedad iraní.

‘Taxi Teherán’ tiene grandes aportaciones y una de ellas, es la misma película en sí; si no existiera habría que inventarla. La primera es su tratamiento de falso documental, la espontaneidad con la que los pasajeros suben y bajan y hablan de sus problemas y preocupaciones, la presencia de la sobrina en la vida real del director o su emotiva conversación con su abogada. El espectador se cuestiona si se trata de pasajeros reales o está todo guionizado y esto, consigue transmitir a la cinta un espíritu improvisado maravilloso que nos acerca más a esa variopinta realidad iraní.

La segunda es, precisamente, esa aproximación a la realidad tan cruda de un país como Irán a través de la ficción improvisada y mucho sentido del humor. En el taxi se habla de la visión política, religiosa y hasta familiar del país a través de varias generaciones, gentes de varios oficios y clases sociales y a pesar de lo que se nos cuenta y muestra pertenece a una cultura y sociedad totalmente opuesta a nosotros y ciertas afirmaciones e ideas pueden llegar a parecernos terribles, Jafar Panahi se encarga de que los diálogos y situaciones no pierdan comicidad en ningún momento.

Taxi

La tercera ventaja es su fuerte crítica contra la censura que, en un contexto diferente a la que está realizada la película, no funcionaría tan bien. Y es que la conversación con su abogada -haciendo alusión a su encarcelamiento y su castigo- y toda la trama de la sobrina del director gira en torno a las duras restricciones y la escasa libertad de expresión en Irán: la niña tiene que hacer una película para el colegio y le lee a su tio la lista de duras y absurdas leyes de moralidad y corrección que debe seguir.

Al compartir viaje con el director y sus “clientes” somos conscientes y cómplices de esa lucha contra la censura. Jafar Panahi está rodando de forma clandestina, lo sabemos y tememos que en cualquier momento lo descubran. ‘Taxi Teherán’ es una película valiente, comprometida y sin duda, necesaria por su reflejo de la sociedad iraní pero que por desgracia, nunca se verá dentro de sus fronteras.

En esta ocasión Panahi sorprende al mundo con un documental, o mejor dicho, un falso documental, que retrata el drama social que vive hoy en día la ciudad iraní de Teherán. A través de una cámara colocada en el salpicadero del coche, el propio director se erige como conductor del taxi yguionista de la trama que en él discurre. Recorriendo las calles de la capital, acoge en su vehículo todo tipo de pasajeros, desde un hombre que confiesa ser un ladrón, hasta la propia sobrina del cineasta. Durante el trayecto, Panahi va entrevistando a los viajeros, creando un retrato sórdido y crítico, aunque al mismo tiempo realista, de la sociedad iraní.

Uno de los mayores méritos que atesora este largometraje es su capacidad de mostrarse creíble, o lo que es lo mismo, tratar unas situaciones completamente ficticias como unos hechos verídicos. La naturalidad que desprenden cada una de sus escenas logra que el espectador empatice con la situación narrada, en muchos casos impregnada de un duro dramatismo. La sencillez y la maestría de la misma hacen que el peso recaiga en el propio guión, así como en los personajes que lo llevan a cabo. Resulta curioso comprobar cómo el director, dado el secretismo con el que tuvo que llevar a cabo este proyecto, prescinda de los títulos de créditos finales, en un alarde de generosidad por mantener el anonimato de los intérpretes, todos ellos actores y actrices no profesionales entre los que se encuentra su propia sobrina.

Sin duda lo que el espectador va a encontrar en Taxi Teherán es aquello que el director se planteó desde el principio: retratar, de la manera más realista posible, la sociedad iraní, con todas sus limitaciones, miedos y anhelos. Y es que el taxi de Panahi es más que un coche. Se trata de un verdadero altavoz del que surgen todo tipo de opiniones y puntos de vista; puesto que lo importante, en este caso, es poder expresarse libremente. Con esto, no solo se denuncia la falta de libertad ideológica presente en la sociedad iraní, sino también la fuerte censura. Todos estos rasgos convierten el documental en una obra de obligado visionado, sobre todo para todas aquellas personas inquietas que quieran conocer, en mayor profundidad, el día a día de la fascinante ciudad de Teherán.

Vientos de la Habana: Paisaje de otoño de Félix Viscarret

Paisaje de otoño de Félix Viscarret es la cuarta y última entrega por ahora de las novelas homónimas de Leonardo Padura sobre las andanzas y peripecias del teniente Mario Conde, más oscuras y terribles si cabe.

Con Paisaje de otoño, Félix Viscarret al igual que Leonardo Padura cierra brillantemente la serie de cuatro novelas protagonizadas por el teniente investigador Mario Conde, a quien ya conocíamos desde la anterior entrega, Máscaras, y que ahora, a punto de cumplir treinta y seis años, intuye que está cerrándose una etapa de su vida y que se aproxima el momento de tomar decisiones quizás irrevocables.

Una noche de otoño, unos pescadores descubren un cadáver en la playa del Chivo, en La Habana. La víctima, Miguel Forcade Mier, ha sido asesinada con una saña brutal, casi inexplicable. Este crimen removerá una antigua trama de corrupciones y viejas ambiciones frustradas, ya que, en efecto, en los años sesenta Forcade había dirigido oficialmente las expropiaciones de bienes artísticos requisados a la burguesía tras la Revolución. Pero, después de acumular poder, influencia y, seguramente, no pocas envidias y resentimientos, en 1978 Forcade decide, sin motivo aparente, sumarse al exilio de Miami. Sin embargo, poco antes de su asesinato, había vuelto misteriosamente a Cuba, casi como si hubiera querido recuperar algo muy valioso y cuya existencia sólo él conocía. . .

Como ya hiciera en Máscaras, Leonardo Padura vuelve a explorar los innumerables recursos del género negro: así, a medida que avanza una azarosa investigación repleta de pista.

¡También para Carlos!

Jason Bourne de Paul Greengrass

Jason Bourne de Paul Greengrass es la quinta entrega de la serie sobre Jason Bourne: El caso Bourne (2002); El mito de Bourne (2004); El ultimátum de Bourne (2007); El legado de Bourne (2012).

Volvemos a sentirnos con él atrapados en una red de corruptelas y entresigos, luchas y altas tecnologías que dominan el mundo y lo hacen más incomprensible si cabe. Resulta más espectacular e intimista a la vez. La persecución y la huída por Atenas y Las Vegas resultan sencillamente escalofriantes. Continaremos fieles al legado de Bourne.

Jason Bourne ha recuperado su memoria, pero eso no significa que el más letal agente de los cuerpos de élite de la CIA lo sepa todo. Han pasado 12 años desde la última vez que Bourne operara en las sombras. Pero todavía le quedan muchas preguntas por responder. En medio de un mundo convulso, azotado por la crisis económica y la guerra cibernética, Jason Bourne vuelve a surgir, de forma inesperada, cuando desde el pasado reaparece Nicky Parsons (Julia Stiles) con información sobre él de vital importancia. Desde un lugar oscuro y torturado, Bourne reanudará la búsqueda de respuestas sobre su pasado.

Fences de Denzel Washington

Fences de Denzel Washington es ante todo una obra de teatro llevada al cine. Quizás la traducción del título revele buena parte de la esencia de esta película: “vallas”, pero estoy convencido de que resulta mucho mejor que conserve su título original.

Fences es una película en la que se habla mucho, se expresan sentimientos, y muchas veces la acción transcurre en los sobreentendidos. Denzel Washington como director y actor hace un esfuerzo colosal para transmitir la esencia de este drama que transciende lo personal para adentrarnos en una época oscura de la sociedad estadounidense que arrebata las ilusiones y esperanzas de muchas generaciones. No es tanto lo que se cuenta, sino lo que implica este ambiente claustrofóbico que se trata de cerrar aún más con las “vallas” de la incomprensión.

‘Fences’ es la historia de Troy Maxson, un trabajador del sistema de alcantarillado de Pittsburgh de mediados del siglo XX, que una vez soñó con una carrera de profesional del béisbol, pero que era demasiado mayor cuando la primera división del béisbol empezó a admitir jugadores negros. Se esfuerza por ser un buen marido y padre, pero su sueño truncado de gloria le corroe, y le lleva a adoptar una decisión que amenaza con destrozar a su familia. Ambientada en la década de los 50, ‘Fences’ narra la historia de un padre afroamericano que hará frente a los prejuicios raciales para sacar adelante a su familia a pesar de las dificultades económicas. El veterano actor Denzel Washington dirige esta cinta que originalmente era una obra de teatro de Broadway de los años 80 ganadora de varios premios Tony en la que participó. El guión de la película, basado en la obra de August Wilson, ha sido escrito por Tony Kushner.

Viola Davis ha logrado un merecidísimo Oscar 2017 a la mejor actriz de reparto.

Vientos de la Habana: Máscaras de Félix Viscarret

Tercera entrega de Vientos de la Habana: Máscaras de Félix Viscarret basada en la novela homónima de Leonardo Padura y que cuenta las vicisitudes del teniente Mario Conde, en un caso bastante complejo.

Máscaras, la cuarta novela de Leonardo Padura, galardonada con el Premio Café Gijón de Novela 1995. Máscaras forma parte de una tetralogía de novelas policiacas, protagonizadas por el mismo personaje, el teniente de policía Conde, hombre solitario y desencantado, sancionado en la Central por una antigua insubordinación, y a quien vuelven a llamar para investigar los casos más extraños y menos lucidos. Este entrañable personaje, y el género novelesco en el que se enmarca, le sirven a Padura para abrirse a un horizonte más amplio: sus historias trazan, de hecho, un fresco a la vez risueño y sombrío de las pequeñas grandezas y grandes miserias de la vida cotidiana en la Cuba actual y las someten, como de pasada, a una brillante y profunda reflexión.

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